Sin duda, el artículo se refiere al costo en el mercado mainstream actual de EEUU, porque en España esas cifras no las olemos ni de lejos: 258.000 € en adelantos a artistas, 169.000 € para la grabación, 140.000 € para la realización de tres videoclips de mediana factura, 92.000 € para giras de respaldo y la nada desdeñable cifra de 118.000 € para promoción.

Si alguien hubiera invertido ese dineral en alguno de mis grupos, incluído el más cutre que haya tenido jamás con 15 años, ahora mismo os escribiría desde mi isla en la Guayana Francesa.

Los costes en España son otros bastante diferentes.

Para empezar, sin datos en la mano, apostaría a que las grandes discográficas no costean ni DIEZ discos al año cada una actualmente. Por supuesto que dicho presupuesto se los llevan los “grandes artistas” (Miguel Bosé, La Oreja de Van Gogh, etc), que tienen aseguradas las ventas. Esto es porque el 99% de los nuevos lanzamientos son “licencias”, es decir, los artistas se hacen el disco y la discográfica se lo queda tal cual. Además, el número de nuevos lanzamientos es ridículo, no creo que llegue a una decena al año tampoco; reto a mis lectores a que me digan 10 grupos nuevos que conozcan de 2009. Yo, que estoy más o menos atento, podría nombrar uno o dos si acaso.

Hace seis años, el coste de un disco en España rondaba entre 24.000 y 50.000 euros. Con ese dinero se pagaba al productor (la invisible y mágica figura del productor), arreglistas (otra figura mágica e invisible), músicos, estudio y técnico, así como un mastering más o menos bueno. Esta cifra ha ido cayendo y hoy la cosa ronda entre 2.000 y 6.000 €, aunque la vida no vale menos. ¿Cuál es el truco mágico? El artista graba todo lo que puede por su cuenta (en su casa, vaya), los músicos tocan “de colegueo” (gratis, por hacer el favor), o con la promesa de que si funciona el disco contarán con ellos para gira. Se suprime la figura del productor, del arreglista, el mastering independiente (lo hace cualquiera), y muchas veces la mezcla se la hace el músico en casa. Con todo ello, más allá de la calidad musical, la calidad artística también se ve comprometida y se devalúa todo el proceso.

Hace seis años el coste en promoción de un disco era entre 40 y 50.000 €, repartidos en conciertos promocionales, “payola” a radios, etc. Hoy en día se invierte entre CERO y 1.500 € en promoción: los artistas pequeños NO la tienen (o es mediante acuerdos dentro de los grupos de comunicación) y los artistas grandes se la regalan en TV. Las giras promocionales son a cero euros también, claro. Se toca gratis y poco.

Hace seis años los adelantos eran entre 6.000 y 40.000 €, ahora entre CERO y 6.000 €.

Y el presupuesto ACTUAL para un videoclip, ronda entre CERO y 12.000 €, con ese presupuesto se hacen milagros, así que comparar un videoclip de Lady Gaga con uno de Amaral (que son de los grupos españoles que más invierten en videoclips), da una idea del abismo del que hablamos.

También hay otro artículo sobre que es un mito que Internet pueda sustituir a las discográficas, pero en este caso sí estoy de acuerdo en el concepto.

De hecho, el que se haga música en España es realmente un milagro. Como yo siempre digo, si Daft Punk hubieran nacido en España, no harían música, serían funcionarios (con todo mis respetos para ellos).

Estoy deseando que salga el “Virtual Producer” y el “Virtual Compositor” para dedicarme a lo que siempre quise en la vida: hacer snowboard por todas las estaciones del mundo XD

No sé porqué, pero sospecho que me quedan MUCHOS años de duro trabajo todavía…

Además, el uso del estéreo tiene ventajas muy importantes para mejorar el audio en la publicidad: al disponer de dos canales, hay más espacio para situar elementos, lo que sería muy beneficioso, por ejemplo, para que la locución destaque con más facilidad sobre la música.

Además, los efectos y la música en estéreo crean mayor interés sobre el oyente y permite juegos interesantes para captar su atención.

Señores anunciantes y publicitarios: exijan que sus anuncios se emitan en estéreo y mejoren la experiencia de los oyentes.

Monta un grupo o participa en uno. El 90% de los grupos no llegan al año de vida, así que tendrás que montar varios a lo largo de tu “carrera”.

Paga por ensayar. Ensayar es un lujo MUY caro. Por supuesto, fuera del horario laboral hay lista de espera.Decides dar conciertos. Por supuesto, también hay lista de espera. Organiza un concierto para dentro de dos meses o toca un martes (en el que no irá nadie).
Paga por tocar y llena el bar. Por supuesto que toda caja y un porcentaje de la entrada es para el dueño. Con suerte no tendrás que pagar al técnico.

Queréis que os conozcan. Crea tu propio MySpace y Facebook, ¡si no tienes uno no eres nadie!

Quieres grabar una maqueta. Paga por ello. Tus fans demandan un disco, pero no hay industria discográfica. La maqueta no es suficiente. Paga por la grabación del disco o dedica miles de horas a grabarlo por tu cuenta.

Tus amigos (=fans) están hartos de ir a tus conciertos. Cada vez tocáis mejor, pero cada vez hay menos público. Necesitas fans nuevos.

Entre cien mil grupos, MySpace y Facebook no son suficientes. Necesitas una web propia. Si no sabes HTLM y diseño, paga por ello. En cualquier caso, paga por el hospedaje y el dominio.

Pon tu disco en la web. Lo regalas online, pero poca gente lo descarga y ningún medio te hace caso. Está claro, necesitas hacer CDs, Fabrica 1000 copias, paga por ello y hazlo a espaldas de la SGAE para pagar menos.

Regalas 200. Tienes 1000 fans en MySpace y 500 en Facebook pero vendes veinte, pero sólo podrás recuperar la inversión si has vendido 1000. Es obvio, necesitas promoción.

Manda e-mails a blogs, CDs a revistas. Has conseguido 4 reseñas en blogs sin tráfico y el grupo pierde dinero: necesitas más fans y las revistas (supuestamente indies) no te hacen ni caso a menos que pagues publicidad en ellas.

Disuelve el grupo y vuelve a empezar (GOTO 10)

Éste es el juego, pero te faltan las reglas:

1. Odiarás a la SGAE sobre todas las cosas. Todo el mundo te preguntará tu opinión sobre ella, ve ensayando la respuesta.
2. La música es gratis. Punto. Es el precio que han establecido las Leyes de Mercado y no puedes aspirar a ganar dinero de ella.
3. Los músicos viven de los directos. Es otro axioma. Lo tomas o lo dejas.
4. Los grupos se autoproducen, se autograban, se autopromocionan y cualquier cosa que empiece por auto y que signifique “gastar dinero en hacerlo todo mal y a medias para que otro disfrute siguiendo las reglas del juego (puta SGAE, gratis, directos).
5. No te quejes, eres un artista. Los artistas viven del clamor de sus fans. Aprende a reciclar comida.
6. Si Bisbal pudo, tú no vas a ser menos. Muere en el intento.
7. No tributarás y cotizarás a la Seguridad Social. En caso contrario, tu epígrafe es el de “Artistas y toreros”.

Por supuesto, hasta que consigues llevar tu arte a todos los rincones necesario, debes trabajar (en algo normal, de persona), tener un hogar, tener una familia y un coche (para poder llevar los instrumentos a los ensayos y conciertos). Comprar una casa es algo que sólo se pueden permitir tus hermanos (administrativos, médicos, maestros, barrenderos, panaderos, informáticos, etc.)

Buena suerte.

P.D.: Si te haces rico siguiendo estas indicaciones, no olvides a quién te las REGALÓ (porque Internet es gratis…  ¿o no?)

Noticias como “la SGAE le pide dinero a una peluquería” o “El Badalona decide no poner más su himno para no pagar a la SGAE” (por poner dos ejemplos recientes) han creado un gran revuelo, en el que miles de personas se rasgan las vestiduras en contra de la SGAE. No seré yo quien defienda la forma de actuar de esta supuesta “organización sin ánimo de lucro”, de la que soy socio, pero, sin duda, este tipo de noticias se sacan sólo para “hacer sangre”, sin menor atisbo de objetividad, puro populismo.

Nadie tiene en cuenta que la SGAE en esos casos se limita a defender los intereses de sus asociados y reclamar algo que les pertenece. Y me explico: al igual que las cadenas de televisión no pueden poner las películas y series que les dé la gana, alguien que use la música como complemento a su servicio debería corresponder a sus autores con algún tipo de compensación económica. Este tipo de compensación, si está bien calculada y es proporcionada (cosa que no siempre sucede), ayuda a soportar a la creación de nuevas obras apoyando a sus creadores.

En todos lados existen creadores. Alguien que crea una vacuna, una melodía, una empresa, patentes, etc., y muchas veces los autores de estos logros no son los que explotan el producto: el científico que crea la vacuna no es el que la fabrica, el que inventó la fregona no es el dueño de Vileda. En cada cosa que compramos, desde un zapato hasta un coche hay cientos de pequeñas cantidades que se destinan a pagar patentes a sus autores. Y el sistema, aun siendo mejorable, proporciona suficiente sustento para que la innovación sea constante y que a los participantes se sientan gratificados, para que las empresas inviertan en I+D y para que los artistas puedan vivir de su arte.

Volviendo al tema musical, no siempre el autor de una canción es el que la interpreta. No hace falta que nombre centenares de grandes (y otros no tan grandes) artistas que NO son autores de sus canciones, desde Fran Sinatra a David Bustamente. No son los autores los que se benefician de los rendimientos más directos (conciertos, venta de discos, etc), no vale el nuevo cántico “los músicos que interpreten música”, porque es una gran falacia que no tiene en cuenta al autor de la obra.

Si los derechos de autor son tan importantes para los músicos, ¿dónde está el problema? El problema está en que los recauda una asociación privada, que especula con ellos económica, social y políticamente, que enfrenta a los creadores con el público para defender modelos industriales caducos e intereses empresariales

Fotografía por RossinaBossioB

El pasado finde del 10-12 de Octubre estuve paseando y conferenciando en la Monkey Week, la nueva cita para la música independiente. Participé en una charla sobre producción musical, junto a Ricardo Pachón y Paco Loco. Fue una charla muy civilizada, aunque no nos pusimos muy de acuerdo en algunas cosas :-)

Hizo un clima estupendo, y me gustó mucho la organización del evento, aunque no el sonido de uno de los recintos. El cartel era indie, indie de verdad, con solera indie jejeje. No conocía el 90% de los grupos, pero hubo sorpresas muy agradables.

Sin duda, es un evento muy necesario que, posiblemente, llega un poco tarde a la escena, pero que, sin duda, ha puesto la primera piedra para que la escena independiente en España deje de ser el vagón de cola y coja más peso, como pasa en casi todos los demás países.

Os dejo unos recortes de prensa para que veáis qué se ha dicho sobre las jornadas.

“Monkey Week tiene un futuro excelente por delante como lugar de reunión y debate para profesionales. (…) Cada evento necesita tener una personalidad propia, la del Monkey Week fue propiciar el diálogo”
(Joan S. Luna, MONDOSONORO)

“El festival Monkey Week se estrena como epicentro del rock en España. (…) Los conciertos nocturnos son sólo la parte más visible del iceberg”
(Iñigo López, EL PAÍS)

“El único festival de la galaxia en el que se puede ver un concierto en una plaza, entre niños y abuelos, de un grupo español desconocido mientras se merienda-cena un cucurucho de chocos y cazón en adobo. Ou yea”
(Pablo Gil, EL MUNDO)

“Monkey Week se ha revelado en cualquier caso como una iniciativa necesaria para la industria independiente nacional. Un punto de encuentro en el que se ve, se oye, y se habla. Y ojalá que sea por muchos años”
(Blas Fernández, DIARIO DE SEVILLA)

Música para la candidatura olímpica de Madrid 2016.

Producido, compuesto, grabado y mezclado por Antonio Escobar en Antipop.
Guitarras por Daniel Ruiz.

Agencia: Sra. Rushmore.
Productora: Video On.

El vídeo refleja el día de la grabación de guitarras y la primera mezcla. Después de eso hubo dos semanas de cambios. Según Antonio, “la música se hizo antes que el montaje, y cada vez que había un cambio de montaje había que hacer un cambio de música. Además, la duración de la canción ha oscilado muchas veces. El arreglo de cuerdas que hay en la versión final se agregó justo una semana antes”.

Cadena de grabación de Tengo una corazonada

Guitarras españolas: Beyerdynamic MM1 -> Manley Slam! -> Apogge Rosetta 800
Guitarras acústicas: Rode NT-1 -> TLAudio VP-1 -> Apogge Rosetta 800
Guitarras eléctricas: Waves PRS -> Apogge Rosetta 800
Mastering

UAD SSL 4K Master compressor
Abbey Road TG EQ
UAD Precission Maximizer
UAD Precission EQ
Waves Linear Phase EQ
Waves L16
En la producción se utilizó Nuendo 4, Kontakt y diversas librerías. Los sonidos de sinte salen de un Alesis Andromeda y un Korg MS-20. La orquesta es de la librería nativa de Kontakt 3.

El hábitat del productor

Polifacético como soy y amante de las listas como nadie, aquí suelto mi granito de arena. Está basado en muchos años de experiencia en varias facetas (técnico, productor, compositor y artista) y orientada a quien quiera dedicarse profesionalmente a este “noble” e ignorado trabajo. También es útil para todos aquellos que vayan a trabajar con uno, y así saber qué demandar.

Sean benevolentes.

(Publicado originalmente en 2007 en este blog y más tarde en Hispasonic)

Doce consejos para ser un buen productor:

• Aprende a apreciar todos los estilos musicales. Sí, yo también tuve 15 años y todo, menos la música que escuchaba, me parecía una mierda, pero ya con 30 no estoy para esas tonterías. La música es música y en todos los estilos hay retos interesantes y cosas que aprender. Eso es algo que aprendí de la publicidad: un día hacías un tango, otro una canción para Amena, el tercero orquestabas para 80 músicos y el cuarto un tema electro. Está bien especializarse, pero no olvides que hay muchas más cosas. Por ejemplo, aunque empecé profesionalmente grabando flamenco (sí, todos tenemos un pasado oscuro), mi especialidad es los sonidos más independientes y/o electrónicos y sin embargo, ahora estoy a punto de acabar una de las mejores producciones que he hecho en mi vida y es rollo pop latino, con influencias varias.
• Adecúa tu producción al estilo. Es bastante obvio, pero no tan respetado. Estudia con referencias el tipo de trabajo que vas a hacer. Si un disco de Metal, escucha Metal. Si es Pop, estudia Pop. Que tu sello sea un trabajo bien hecho, no 20 discos que suenan a Tequila.
• Innova. Éste puede ser el punto polémico de la lista. Si en España pecamos de algo es de una falta total de innovación. Aquí todo tiene un regusto rancio que da susto. Por favor, sean modernos, miren más allá de los Pirineos (y de todas nuestras fronteras naturales xDD) e innoven. Dejemos de ser el país de la paella y los toros (sin acritud para el que le guste). Como siempre he dicho, si los de Daft Punk fueran de Alcobendas, estarían opositando para conserjes de la Complutense.
• Elige a los mejores músicos y arreglistas que puedas pagar. Tu amigo Pedro está bien para tocar en un bareto, pero en una producción no puedes permitirte que medio suene. Los mejores músicos se dedican a ello profesionalmente y tienen los mejores instrumentos. Se acabaron las baterías Thunder y los bajos Talmus con cuerdas de 10 años. A lo mejor el sonido que buscas es así, pero, seamos sinceros, ¿alguien ha grabado alguna batería Thunder a la que no le suene el muelle del bombo?
• Deja que los músicos toquen. Un buen músico tiene mucho que ofrecerte porque, como dije antes, es un profesional de su instrumento. Lo conoce, lo estudia y sabe cosas que tú no sabes. Yo siempre dejo a la gente tocar lo que ellos quieren y luego pido cosas concretas. Ten siempre un plan B, algo preparado, pero, si hay tiempo, deja que tus músicos aporten su granito de arena: puede ser como una montaña.
• Dimensiona la producción a tu proyecto. A la hora de buscar un estudio, músicos, etc, para tu proyecto, asegúrate que es adecuado para cada paso. No hace falta reservar una sala grande si sólo vas a grabar baterías tres días. Además, cuanta menos gente haya en el control, más fácil será manejar la situación. Además, hay mil detalles que puedes suprimir o que pueden ser cruciales en cada producción. Por ejemplo, grabar en cinta puede ser un lujo estúpido para un disco electro o algo fundamental para uno de rock clásico.
• Elige el mejor técnico/estudio que puedas pagar. Todos sabemos que fulanito graba discos a 150 euros por tema, pero ¿cómo suenan? Si tu disco no va a sonar bien, no te metas. Ojo, siempre hay que dimensionar la producción al proyecto. Si es una maqueta, hay mucha oferta de estudios y técnicos, pero si es un trabajo para una compañía, necesitarás a alguien con garantías de resultado.
• Cuida a tu artista. En el caso de que produzcas discos o canciones, el artista (grupo o solista) debe ser tu principal preocupación. Él está poniendo en tus manos su carrera profesional. De hecho, el 99% no llega a editar nada más, por lo que haz de su experiencia algo inolvidable. No le importa tus tiras y aflojas presupuestarios, tus problemas personales y si el guitarrista no puede grabar el jueves porque tiene diarrea. Tu labor es sacar lo mejor de él (o del grupo) y que todo llegue a buen puerto, no mantenter a tu artista informado de cada incidencia.
• Respeta la opinión del artista. Casi siempre ellos han escuchado más que tú las canciones, las han tocado en directo, les han dado mil vueltas. Debes ser objetivo y sacar lo mejor de ellas, pero no te impongas a menos que sea un error evidente u ofrece la posibilidad de probar otra opción.
• El que paga manda. Esto tampoco es tan obvio. Aquí todos somos muy artistas, pero, atención, que el que paga espera algo de ti, y por lo tanto, su opinión es la que prima. Ellos esperan lo mejor que puedas ofrecer, pero debes dejarlos contentos (a veces va especificado en los contratos). Si crees que no puedes trabajar para otro, mejor no lo hagas. Y recuerda: cuando hay dinero de por medio, la música deja de ser arte y convertirse en industria.
• No firmes algo que no puedas defender. Esto se lee de dos formas: “no te metas en fregados que te superen” y “no firmes algo de lo que te avergüences”. Sobran expliaciones.
• Atrévete. Posiblemente un disco de polkas no está en tu lista de retos o aficiones, pero siempre puedes buscar alguien que te ayude (co-productor, o productor asociado, que dicen otros). Al final, el camino se hace al andar.